Sin temor al pifie, se puede afirmar que la musicalidad es una virtud. Los mejores bailarines son musicales. Pero –más importante todavía– la musicalidad es una fuente de placer. Los bailarines que son musicales disfrutan de la buena relación con la música, sean profesionales o aficionados.
Definición y objeto
En los diccionarios no hay buenas definiciones de “musicalidad” en el contexto de la danza. Sí nos sirven algunas acepciones del adjetivo “musical”: relativo a la música / que tiene el carácter de la música / armonioso. Esta última alude a esa sensación de bienestar que nos invade ante la feliz correspondencia entre lo que se ve y lo que se escucha. Para el protagonista del baile, la musicalidad también significa un gusto, el de sentir la música en el cuerpo o de ser parte de la música, según cómo se mire. Por momentos, hasta se siente que la música a uno lo empuja o lo lleva.
¿Pero qué es la musicalidad? Para el bailarín, docente y guitarrista aficionado Ramiro Gigliotti la musicalidad se da cuando la expresión del cuerpo se articula con la música de una manera tal que parecen inseparables la una de la otra.
Para el también bailarín y docente, pero además DJ y organizador de milongas, Horacio Godoy, la musicalidad se consigue cuando uno está a disposición de la música, al punto de llegar a convertirse en un intérprete más de la orquesta. Godoy se declara partidario de las interpretaciones menos obvias de la música. “Cuando veo a algunos bailarines que siguen el ritmo de la manera más previsible siento que más que interpretar la música, están mostrándomela”.
Para el bailarín, docente y pianista aficionado Damián Esell, enseñar musicalidad es “enseñar a escuchar la música para interpretarla con los recursos del baile que cada uno maneje. Muchas veces hay un desfasaje entre una alta percepción de la música y una capacidad técnica relativamente baja para interpretarla. Ejercitando, probando, haciendo el ritmo con las manos, tratando de llevar ese ritmo a los pies o a alguna figura se puede ir desarrollando la capacidad de interpretación”.
Podríamos concluir, entonces, que la musicalidad es la capacidad de interpretar la música con el cuerpo o la relación que se consigue con la música que se está bailando. Si bien esta relación entre danza y música puede sonar obvia, no siempre se da de una manera lo suficientemente clara. Hay bailarines con gran técnica y hasta muy creativos en sus coreografías que no son musicales, o al menos no en los grados deseables.
Mil y una formas
Hay muchas maneras de ser musical. La relación con la música puede ser la más común, siguiendo el ritmo, pero uno también puede seguir la melodía, algún instrumento y, desde ya, ir cambiando de referencias durante la escucha de un mismo tema musical.
Por otro lado, en las milongas suenan muchas de las orquestas que jalonaron la historia del tango, cada una con una personalidad sonora muy definida, como para que al bailar hagamos oídos sordos a esa variedad de estilos. No es lo mismo el lirismo y la regularidad de Di Sarli, que el nervio más rápido de D’Arienzo o la complejidad de Pugliese. La dulzura de Fresedo tiene puntos en común pero también diferencias con la dinámica de Troilo, por agregar otro ejemplo. Con las agrupaciones contemporáneas se podrían esbozar clasificaciones similares.
En el universo genérico del tango están también la milonga y el vals, dos ritmos hermanos -cada uno con sus particularidades- que, a su vez, se traducen en diferentes movimientos ya que sugieren otras secuencias, otras maneras de pisar y otras velocidades.
Consultado sobre las diferentes musicalidades posibles, Gigliotti explica: “Desde el momento en que la interpretación de la música es subjetiva, hay muchas formas de ser musical durante el baile. El enfoque más elemental del asunto pasa por pisar en las notas 1 y 3 de cada compás de 4. En un segundo nivel de complejidad estarían la pausa en los cierres de frases musicales y la posibilidad de imprimir un poco más de vértigo en las variaciones de los instrumentos, entre otros asuntos”.
Ya como parte de un salto de calidad, el bailarín menciona la posibilidad de bailar la melodía. ¿Cuándo? “Ante músicas cuyo ritmo es difuso o muy irregular. Por ejemplo, si lo que suena es el sexteto de Julio De Caro, se te acaban las referencias rítmicas claras. De Caro es al tango algo así como el impresionismo a la pintura. Entonces, ahí podés bailar la melodía, que en realidad quiere decir bailar el ritmo de la melodía, algo muy relacionado con el fraseo”. Gigliotti también hace referencia a la dicotomía tensión-relajación, que atraviesa la música en general, como un aspecto a tener en cuenta durante el baile. Por último, opina que en los tangos cantados debería considerarse también el significado de las letras, o al menos su tenor. Como ejemplo, mencionó la inconveniencia de un gancho durante un tango romántico o la de abrazarse de forma romántica durante un tango de temática carcelaria.
Para Godoy, tanto el ritmo como la melodía son navegables, “pero cualquier elección tiene que estar justificada”, postula. Aclara que hay diferentes maneras de seguir el ritmo, como por ejemplo pisando apenas después de la nota acentuada, haciendo lo que algunos milongueros de Villa Urquiza llaman “el eco”, en referencia al zumbido final del instrumento que produce esa nota. “Ellos dicen que, si no, el movimiento se corta muy en seco respecto del sonido”, cuenta quien se declara admirador y cultor de ese estilo.
Según Esell, hay una musicalidad básica que reporta a una métrica y que consiste básicamente en tomar los cuatro u ocho tiempos fuertes que puede haber en una frase musical. “Con el tiempo, uno puede empezar a percibir otros tiempos y otros planos, como la melodía o considerar la suspensión del movimiento, o sea la pausa. Además hay diferentes formas de pisar. El sonido de “La Yumba” sugiere casi invariablemente una pisada fuerte, y como el hombre suele pisar más fuerte que la mujer, en general prefiere músicas que sugieran ese vigor en la pisada”, agrega.
Un don al alcance de todos
¿Cómo mejorar nuestra musicalidad? Todos los entrevistados recomiendan escuchar mucho, no sólo durante el baile sino en general, de un CD en casa, de un i-pod en el transporte, de la radio. Pero además recomiendan hacerlo con atención, como para ir desarrollando gustos y capacidad de análisis.
En particular, Gigliotti sugiere tratar de maniatar el narcisismo, poner el baile y la música por encima del ego. “Pienso que hay que permitir que la música nos vaya sugiriendo qué hacer, en vez de estar preocupados por meter determinada figura o determinado movimiento”, señala.
Godoy opina que es indispensable que al bailarín le guste el tango como música. “Lo que aconsejo es ser sincero, porque cuando no sos sincero se nota y todo cuesta mucho más”, sostiene.
Esell, por su parte, se permite dejar un consejo para los más interesados en el desarrollo de un baile personal. “Un ejercicio muy útil –asegura– es jugar a ser coreógrafo. Tomar una cantidad de compases y tratar de representar en esos tiempos una determinada capa o plano de la música”. |
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